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像艺术家一样思考 | 2020我镜头中的第十三届杭州艺术博览会(2) 2020-09-10点击次数:908

BGM: Paul Hindemith (1895–1963)
Symphony “Mathis der Maler”
欣德米特:画家马蒂斯交响曲
1. Engelkonzert | Angel concert 8:30
2. Grablegung | Entombment 4:15
3. Versuchung des heiligen Antonius 13:15



同事摄影分享,2020年8月31日参观第十三届杭州艺术博览会,拍摄于浙江展览馆。本次艺博会共分“经典艺术”、“画廊艺术”、“潮流艺术”、“艺术教育”四个策展单元,将展出书画、油画、水彩、版画、雕塑、影像、装置、潮流艺术等上万件艺术作品。博览会以“经典与潮流”为主题,既有中国艺术研究院油画院艺术家的经典油画作品,也首次引入潮流艺术,展出国际潮流界最燃艺术单品。通过全新的板块,吸引年轻一代感受艺术、消费艺术。






绘画是一个求知的过程,它与视觉紧紧地纠缠在一起,以至于很难把它们俩分开。绘画能力主要依赖于象画家那样看待事物的视觉能力,而这种看待事物的方式能让你的生活不可思议地丰富起来。 —贝蒂.爱德华



绘画是每个有一般视力和一般眼-手协调能力的普通人都能学会的技能,只要他有足够的能力把线穿过针孔或抓住投过来的棒球。与普通观念相反,绘画不是体力活。如果你的书法尚可,或者你能够清晰地抄写,对于绘画来说你就具备足够的灵巧了。但是眼睛我们却说都说不够。学习绘画不仅仅是学习其中的技巧。学习绘画你将学会如何看事物。也就是说,你将学习如何象画家那样对视觉信息进行特殊地处理。
——贝蒂 爱德华





绘画并不难。看事物,或者更确切地说,转换到一种视觉的特殊模式才是真正的问题。
——贝蒂 爱德华



你把艺术家放在生活的苦难里,他依然能够找到美。-作家,画家 冯骥才






作记忆画的理由 我相信对你来说画记忆中的人物一定非常困难,这就对了。就算是有经验的画家也会觉得画记忆中的人物很难。真实世界中视觉信息很丰富,也很复杂,并且每件我们看到的事物都是独一无二的。视觉记忆却一定是被简化的和概括性的——这使画家们非常恼火,他们总是只保留了有限的图像记忆。
画记忆中的人物能调出你小时候练习过一遍又一遍、现在被牢牢记住的一组符号。当你努力去画记忆中的事物时,是否发现自己的手仿佛自有主张?你明明知道自己并没有在画自己想要画的东西,但又阻止不了自己的手画出那些简单的形状 -- 比如说,鼻子的形状。这就是所谓儿童画的“符号系统,”是儿童早期通过无数遍的重复而形成并牢记的。
—贝蒂.爱德华



通过学习绘画,你将会学习用不同的方法看事物,就象画家罗丹说的那样,成为自然世界的知音,把你的眼睛叫醒并看到可爱形态的语言,以及使用这种语言表达自己。
——贝蒂.爱德华



在艺术作品中,最富有意义的部分即是技巧以外的个性。--当代学者 文学家 林语堂



艺术应当担负起哺育思想的责任。——白朗宁




艺术乃德行的宝库。——巴尔扎克




所谓大师,就是这样的人:他们用自己的眼睛去看别人见过的东西,在别人司空见惯的东西上能够发现出美来。——罗丹




大艺术家就是那些将个人的想象力强加给全人类的人们。--法国作家 莫泊桑




在油画的后面,跳动着画家的脉膊,在塑像之中,呼吸着雕刻家的灵魂。--里尔夫




缺乏智慧的幻想会产生怪物,与智慧结合的幻想是艺术之母和奇迹之源。--西班牙艺术家 戈雅




只有形式对心灵产生作用时,我们才能理解和欣赏一件作品;也只有通过形式,我们才能理解内容并欣赏一件作品。——康定斯基




除了艺术之外,没有更妥善的逃世之方;而要与世界联系,也没有一种方法比艺术更好。——歌德




艺术并不超越大自然,不过会使大自然更美化。——塞万提斯








艺术是高尚情操的宣泄。——穆尔




任何美的艺术品都不可能没有一点小小的瑕疵,但真正的美却一定能够掩盖这些小小的瑕疵。——迦迪那






美是艺术的目的和推动力。——冈察洛夫




艺术使自然更完美。——雷诺兹




照搬自然景色是绝对画不出传世之作的。——乔·雷诺兹




一个大艺术家等于一个国王,比国王还强;先是他更快乐,无拘无束,可以随心所欲地过活;其次他支配一个幻想世界。——(法国作家)巴尔扎克










我在大理石中看见天使,于是我不停地雕刻,直至使他自由。-米开朗基罗




很多人认为一定要去理解什么是美。
其实,真正的美无需理解,
只要学会去爱惜,就已经很足够了…
-莫奈






我最好的作品就是我的生活!-杜尚










我们生活在由一个混乱而形成的彩虹中。
We live in a rainbow of chaos.
-塞尚




画的立体,来自于它的阴影,人也是如此。
-莫奈








我喜欢纯粹的东西,我不喜欢酒里掺水。我也这样对待我的生活。
-《杜尚传》




我欠你的绘画真理,我将在画中告诉你。-塞尚






如果我确知我的画将被破坏,我将不再画画。-塞尚








我的肉体归黄土,我的灵魂归天堂,我的金钱归穷人。-米开朗基罗




“美,就是净化过剩的过程。”-米开朗基罗




使人幸福的精灵,用热烈的爱,让我垂死衰老的心灵,保持生机。在你的善举和乐趣中,在众多高贵的心灵中间,竟然对我刮目相待。以前你这样出现在我眼前,如今你又这样出现在我的心里,为的是给我安慰……里响起了在生活忧患中的我,我也应当感谢得知于你的恩惠。假如我以为送给你,几幅不值一提的绘画,就足够用来回报里那些美丽又生动的创作,那可是莫大的耻辱和自大。-米开朗基罗《回赠维多利亚》




当你单独时,你全部是自己的,有了一个伴,只剩半个自己,并且作伴的品行愈次,所剩愈少。
-《芬奇论绘画》








你的成就是由你的眼界来衡量。-米开朗基罗






你只要尝试过飞,日后走路时也会仰望天空,因为那是你曾经到过,并渴望回去的地方。-达芬奇




雕像本来就在石头里,我只是把不要的部分去掉。-米开朗基罗




完美不是一个小细节,但注重细节可以成就完美。
将所有的小细节加起来,就是完美。-米开朗基罗




数千年来绘画的描写都是注重what 的,至于how 的方面,实在大家不曾注意到。印象派画家猛然地觉悟到这一点,张开纯粹明净的眼来,吸收自然界的刹那的印象,把这印象直接描出在画布上,而不问其为什么东西。即忘却了“意义的世界”,而静观“色的世界”“光的世界”,这结果就一反从前的注重画题与画材的绘画,而新创一种描写色与光的绘画。色是从光而生的,光是从太阳而来的。所以他们可说是“光的诗人”,是“太阳崇拜的画家”。
——丰子恺《美的情绪:西洋画派十二讲》






他们(印象派画家)用科学的方法,把色分析。例如要画紫色,不像从前的取红蓝两色在调色板上调匀而涂抹,而直接用红的条与蓝的条并列在画布上,观者自远处望去,这两色就在网膜上合成鲜明的紫色。又他们由冷静的科学的观察,发见自然物的色并非固定,皆随光而变化。例如立在青草地上,日光之下的人,其脸的阴面有绿色、紫色、青色,故脸色绝不像从前的规定为赭色。又如在强烈的日光下面,物的影子都成鲜美的紫色、蓝色,绝不像从前的规定为褐色。
——丰子恺《美的情绪:西洋画派十二讲》








在艺术的境界里,细节就是上帝。-米开朗基罗




热情的幻梦,使我把艺术当作一个偶像与一个王国。
-米开朗基罗《诗集》




别你一日,我便辗转反侧。
一朝见你,我便似枯沙遇甘泉……
你的莞尔一笑,路上寒暄,
都让心火灼灼。
你柔声细语,
我便面红语塞,
万念随风去无踪……
-米开朗基罗




在完满的友谊中,往往藏着毁损名誉与生命的阴谋。
-米开朗基罗《致卢伊吉·德尔·里乔》




十九世纪以前的艺术,都是偏重人的方面,主观方面的;十九世纪的艺术,反之,是偏重自然的方面,客观的方面的,这就是所谓“自然主义”(Naturalism)。不必就别的说,但看绘画的题材,这一点已可了然,即西洋的绘画,在十九世纪以前,是以“人物”为主题而“自然”(风景)为背景的。这点恰好与中国画的以山水为主体而人物为点景成正反对。这恐怕是东西洋的文化的根本的异点。
——丰子恺《美的情绪:西洋画派十二讲》




我们所以不懂他们的作品中的“所欲表出的意义”者,因为他们的作品在形式上是反传统的,在内容上也是反传统的。他们在精神生活上,经济生活上,或对人的关系上,都在另行创造全新的世界,希望脱离一切既存的感情与观念。查拉的宣言中说“达达就是观念的追放”。就是不许人们用旧有的观念来看他们的画。
——丰子恺《美的情绪:西洋画派十二讲》




主观主义化的艺术:后期印象派一般画家往往无意识或有意识地使绘画成为“说明的”。观赏者也无意识或有意识地在绘画中要求“说明”,即他们的兴味集中于“所描的为何物”。他们欢迎这种“说明”功夫最巧妙的绘画。然而纯粹的画的感兴决不在于“所描的为何物”的联想的兴味上,乃在于“怎样描表”的一点上。其结果“怎样使人感到美”的一事就成了更重要的问题。但这里所谓“美的”(Aesthetic)不是普通的“美的”(Beautiful)的意义。人们见了花与蝶感到美,便把这花与蝶照样地描出,人们见了仍是感到美。然这不过是自然美的“再现”。换言之,这是当作自然美的说明而作的绘画,不是“使我们发生美的感动的形态”的新的“创造”。“使我们发生美的感动的形态”,即所谓Signi
——丰子恺《美的情绪:西洋画派十二讲》






灵感,是由于顽强的劳动而获得的奖赏。-列宾






你们要真实,青年们;但这并不是说,要平板地精确。世间有一种低级的精确,那就是照相和翻模的精确。有了内在的真理,才开始有艺术。希望你们用所有的形体,所有的颜色来表达这种情感吧。-罗丹






生命之泉,是由心中飞涌的;生命之花,是自内而外开放的。同样,在美丽的雕刻中,常潜伏着强烈的内心的颤动。这就是古代艺术的精密所在。-米开朗基罗




对于高贵的人,崇仰是一种酿酒。
-罗丹《艺术论·遗嘱》






生活中不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。-罗丹








对于一个艺术家来说,如果能够打破常规,完全自由进行创作,其成绩往往会是惊人的。




美术一旦脱离了真实,即使不灭亡,也会变得荒诞。—— 托·卡莱尔






艺术家不相信科学,因为科学只是不完美的东西。——诺尔德






应从习作中寻求快乐。——塞尚






在油画的后面,跳动着画家的脉膊,在塑像之中,呼吸着雕刻家的灵魂。——里尔夫






艺术给我们插上翅膀,把我们带到很远很远的地方。——契诃夫 






艺术并不是真理。艺术是谎言,然而这种谎言能教育我们去认识真理。——毕加索






艺术是大自然映现在人间的东西,重要的是要好好磨镜子。——罗丹






绘画有两种:一种为物质的,一为精神的。——康定斯基






艺术品绝非是对那些在任何给予的时间里显现的个别存在物的再现,相反它是对物的一般本质的再现。——海德格尔






真正的艺术家总是冒着危险去推倒一切既存的偏见,而表现他自己所想到的东西。——罗丹






欲立艺者,先立人。——齐白石







绘画愈像雕刻,映在我眼里愈觉得它是出色的作品,雕刻愈像绘画,我就愈觉得它是拙劣的作品;雕刻是绘画的火把,它们就如太阳与月亮的光,有天壤之别。——米开朗琪罗






艺术是一种使我们达到真实的假想。——毕加索






绘画愈像雕刻,映在我眼里愈觉得它是出色的作品,雕刻愈像绘画,我就愈觉得它是拙劣的作品;雕刻是绘画的火把,它们就如太阳与月亮的光,有天壤之别。——米开朗琪罗






艺术的目的在于揭示我们所有的包括那最隐私的思想、脾性、德行、恶习以及缪误,由此引导我们去认识自身,取得我们尊严的进一步发展,从而达到人性的完美。——蒲鲁东




艺术可遇不可求--它不会因为你是平民而对你视若无睹,也不会因为你是王公而对你青眼有加。天时未到,即使是最睿智的人也不能使艺术品诞生。——惠斯勒






艺术是人类的天性。——伯克






在艺术教育里,艺术只是一种达到目标的方法,而不是一个目标;艺术教育的目标是使人在创造的过程中,变得更富有创造力,而不管这种创造力将施于何处。假如孩子长大了,而由他的美感经验获得较高的创造力,并将之应用于生活和职业,那么艺术教育的一项重要目标就已达成。——(美)罗恩菲德




生活是生活,艺术是艺术,不能也不必要完全一样。——潘天寿






一个人为了要把自己体验过的感情传达给别人,于是在自己心理从新唤起这种感情,并用某种外在的标志把它表达出来——这就是艺术的起源。——托尔斯泰






工作就是人生的价值,人生的欢乐,也是幸福之所在。——罗丹






痛苦会过去,美会留下。——雷诺瓦






美术所以能产生科学,全从“真美合一”的观念产生出来。他们觉得真即是美,又觉得真才是美,所以求美,先从求真入手。——梁启超






真正的艺术家总是冒着危险去推倒一切既存的偏见,而表现他自己所想到的东西。——罗丹






许多艺术家的失败,仅仅是他们只接受一种画法,而指责其他所有的画法。必须研究一切画法,而且要不偏不倚地研究;只有这样才能保持自己的独特性,因为你将不会跟着某一个艺术家跑。应该做一切人的学生,而同时才能不是任何人的学生,应该把一切学到的功课,化为自己的财产。——德拉克洛瓦






艺术家对于自然有着双重关系:他既是自然的主宰,又是自然的奴隶。——歌德






自然中的万物都可以用圆柱体、椎体和球体来表现,那就是根据透视法则,使物体块面的前后左右都集中在中心的焦点上。——塞尚






当任何人被隐藏的艺术天分被激活以后,不论他从事任何工作,都会变成一个善于思考、孜孜不倦、大胆、自我变现很强的人。他打破常规、颠覆传统、充满灵感并寻找更好的理解和沟通方式。————罗伯特.亨利 《艺术的精神》






如果一幅美景胜过千言万语,那么千言万语能说得清一幅美景吗?
——麦克尔.史蒂芬 《美学的转换理论》






美学是研究“美”的学问,艺术是创造“美”的技能。--现代哲学家、美学家、诗人 宗白华






贫困,你是人类艺术的源泉,你将伟大的灵感赐予诗人。--爱·穆尔






艺术与科学既不同而又互相关联;它们在审美的方面交会。--意大利历史学家、哲学家 克罗齐






从不充分的前提中推断出充分的结论,这种艺术就是人生。--巴特勒






科学与艺术属于整个世界,在它们面前,民族的障碍都消失了。--德国剧作家、诗人、思想家 歌德






自然的美是一个美的事物,艺术的美是一个事物的美的表现。--德国哲学家 天文学家 康德






只有天生的艺术家才能忍受成为一位艺术家所必需付出的艰苦劳动。 --迪亚娜夫人






咫尺之图,写百千里之景。东西南北,宛尔目前;春夏秋冬,生于笔下。--唐代诗人 王维 《画学秘诀》




艺术的伟大意义,基本上在于它能显示人的真正感情、内心生活的奥秘和热情的世界。——罗曼·罗兰



背景音乐赏析
欣德米特1895年生于德国哈瑙,1963年在法兰克福去世。欣德米特的家境不好,父亲是一个房屋油漆工人,而且在儿子19岁时就战死于沙场。在那之后,全家的生计就主要靠欣德米特去担负。天资聪颖的欣德米特11岁就开始到咖啡馆、剧场等场所演奏音乐,3年后进入了法兰克福音乐学院。
他是闻名的快抢手,据说,他的一首小提琴奏鸣曲末乐章是在火车上完成的,从火车启动到下一站停车,他就将它写完了。还有一首奏鸣曲是这样谱写的:到了预定录音的前一日,他才发现还没有动手,于是,次日清早他爬起来就动笔,几个小时后就拿着成品去电台录音了。
欣德米特被一些人评为音乐家中的音乐家。他能演奏管弦乐队中的每一件乐器,如果他对某一种乐器把握得还不够自如,他会利用一个星期的时间去钻研,直到自己也心满意足。也许和他的出身和生活经历有关,他也非常尊重那些非专业的音乐爱好者,除了创作用于音乐会的作品之外,他还专门为音乐爱好者们创作了适合他们演奏的作品,这些作品的演奏乐器也囊括了音乐爱好者可以使用的每一种乐器。欣德米特也反对为艺术而艺术,他提出:“今天的作曲家只有当他明白他的创作目的时,才应该创作。为作曲而作曲的时代也许将一去不复返了。”
欣德米特的《画家马蒂斯》是他根据德国历史上的伟大画家马蒂亚斯·格吕内瓦尔德的部分生平,再加以部分虚构创作的。他先创作了三乐章的交响乐《马蒂斯》,再创作了七场歌剧《画家马蒂斯》。交响曲于1933年希特勒上台之后开始创作,1934年由富尔特文格勒指挥柏林爱乐乐团进行了首演,但很快遭到纳粹的禁演。
从马蒂亚斯·格吕内瓦尔德留下的最著名的伊森海姆祭坛画分析,我们可以感到,马蒂亚斯·格吕内瓦尔德同丢勒一样,希冀通过绘画表现德意志人根深蒂固的寻求伟大和崇高的内驱力,但是,丢勒的作品总让人首先体验到一种伟大的静态性质,而马蒂亚斯·格吕内瓦尔德的作品则表现出情绪激昂的动态精神。
欣德米特将马蒂斯作为一个这样的创造性艺术家来加以表现,即马蒂斯在自己的艺术召唤和政治、经济、宗教对他的要求之间无法调和。欣德米特这样理解活在自己音乐作品里的画家:马蒂斯参加16世纪20年代的农民战争,站在了反对贵族和教会的造反农民一边,他想象中的理想是美好的战斗和正义的胜利,但在这种理想和农民战争的险恶之间有着巨大的矛盾。在一个寓言式的场景里,马蒂斯体验到了圣安东尼的考验,在他受磨难的灵魂中所有良心的感觉都起来责问他、折磨他,并且要求他加以解释。
在交响乐《画家马蒂斯》中,每一个乐章都用伊森海姆祭坛画的一个画面来命名,它们分别是《安琪尔的音乐会》、《埋葬》和《圣·安东尼的引诱》。作曲家解释说:“这是以3幅画为主而作曲,但并非标题音乐,而是尝试让听众在欣赏时,产生如欣赏画一样的心情。”
这部令听众宛若观画的交响曲,充分显示了欣德米特融通古今的巨大综合能力,在中世纪曲调、巴罗克对位、古典曲式和现代和声的相互渗透、缜密交织中,创造出这继往开来的崭新音乐。深刻,却动听;神秘,但决不晦涩。
欣德米特的创作可以分为三个阶段:
第一个阶段(1918-1923):探索各种风格的时期。欣德米特比巴托克、勋伯格年轻,开始创作时就没有经历后期浪漫主义阶段,而直接采用各种现代流派的手法。如:他受勋伯格影响,写了具有表现主义特征的《第二弦乐四重奏》(1921);受巴托克影响,写了《第三弦乐四重奏》(1922);受斯特拉文斯基和米约影响,写了《室内乐队曲》第1号(1922,这首作品引用了现代狐步舞曲以及警报器等噪音效果,被认为具有未来主义特征);受爵士乐影响,写了钢琴作品《1922年组曲》(1922)。组曲的“前言”中写道:“这里不考虑手指,是把钢琴作为打击乐使用的”。这在当时是很时髦的做法。
第二个阶段(1924-1933):新古典主义时期。欣德米特受“回到巴赫”运动的影响,主要从巴罗克时期的音乐中汲取素材。他与当时其他作曲家普遍做法有所不同的是:采用了较多的变化音,语言比较复杂,如受巴赫的《布兰登堡协奏曲》启发,为各种独奏乐器和乐队而写的《室内乐队曲》第2—7号 (1924-1927)、《乐队协奏曲》(1925),歌剧《卡迪拉克》(1926)、《当天新闻》(1929)等。大部分实用音乐也写于这个时期,如为机械风琴而作的《雄猫费利克斯在马戏团时》(1926)、为长笛、双簧管和弦乐而作的《演奏用的乐曲》(1927)以及儿童短剧《让我们来造一座城市》 (1930)等。
第三个阶段(1933-1963):各种风格的综合时期。它的时间最长,作品数量最多,约占全部作品的三分之二。重要作品有:歌剧《画家马蒂斯》 (1934-1935,脚本根据宗教改革时期德国画家马蒂斯部分真实经历加以虚构而成,1934年改编为同名交响曲)、舞剧音乐《尊贵的显圣》 (1938)、《小提琴协奏曲》(1939)、《韦伯主题交响变奏曲》(1943)以及大量的室内乐。严格地说,这个时期作品的风格很难概括或进行分类。其中有的作品更热情些,语言也更简单些,实际上,又与他原来的新古典主义立场有所不同。最明显的例子是《画家马蒂斯》,具有更多的抒情性,因而也是他最常被演奏的作品。总的来看,越到后期,音乐变得更为抽象,和声语言更不协和,如带有几何图形结构设计特点的钢琴曲《调性游戏》(1942)、带有神秘色彩的歌剧《世界的和谐》(描写文艺复兴时期天文学家开普勒的故事)等。在1955年写的《大号奏鸣曲》中,欣德米特也尝试勋伯格的手法,采用了一个十二音的主题。
画家马蒂亚斯·格吕内瓦尔德简介
马蒂亚斯·格吕内瓦尔德(1480—1528)擅长于祭坛画。当丢勒潜心研究意大利绘画时,格吕内瓦尔德却对意大利绘画视而不见。他是德国文艺复兴画家中最令人不可思议的一位。德国绘画在16世纪出现了三位具有世界意义的大师:丢勒(1471~1528)、格吕内瓦尔德(约1470/75~1528)、荷尔拜因。
马蒂亚斯·格吕内瓦尔德是德国文艺复兴绘画中最不可思议的画家之一。说他不可思议,是指他的作品在德国画风中属于一种特殊现象。
格吕内瓦尔德的艺术师承不详,可能从莱茵河中游一带的地方画师习艺,但他也学习了文艺复兴的新技怯,并精通建筑与水利工程。他的传世之作不多,但现存代表作─伊森海姆祭坛画(15l0~1515)是多幅的宏伟巨构,包括基督诞生、受刑、复活以及圣安东尼故事等6幅图画,皆属精品。其他重要作品有《圣埃拉斯穆斯和圣莫里斯》。
死亡与痛苦、幻想与病态是他的绘画形象的基调。他喜欢采用强烈的对比色,追求暗色背景中的闪光,有点像中世纪彩色玻璃画。这种画法影响了后来的德国浪漫主义画派。
他从1509年起成为德国宫廷画家,后被擢升为梅因斯大主教的艺术总监。1510年,他从法兰克福一商人处接到订货,为丢勒所画的祭坛画《圣母升天》的两个侧面再画四个使徒。在这四个使徒像上,他用装饰性手法与高度的造型表现,取得了某种神采奕奕的效果,从而一举成名。
格吕内瓦尔德用色绚丽奇幻,善于表现纯朴激动的感情,是一位植根于民间艺术土壤又充分吸收了新技法的大师。他的伊森海姆祭坛画被认为是德国文艺复兴美术中独放异彩的一大杰作。
它采取德国中世纪祭坛画常用的多层屏柜形式,第一层(最外层)是一幅凸宇形的《基督受刑》(一名《十宇架上的基督》);沿此幅画中轴打开,第2层中央为《圣母子与天使》,它占据了原来的凸字形位置,在第一层的背面又画了《受胎告知》和《基督复活》两幅画,分列两边,当把第2层画从中轴打开时,它的背面又分别画有表现圣安东尼的两幅画《诱惑》与《论道》;第三层中央则为木刻群像,是他人所作。这祭坛画是为伊森海姆的圣安东尼修道院而作,它的三层6幅图画都充分体现了格吕内瓦尔德的艺术特色。
例如《基督受刑》,以全身青紫、伤痕累累的形象表现十字架上受尽残酷折磨的基督,既基于写实也不惜夸张,令人感到无比悲愤,两旁使徒们和圣母悲痛欲绝的神态更表现得淋漓尽致,在同类题材的画幅中罕有其匹。《基督受刑》后面的《圣母子与天使》则充满欢悦情趣和绮丽风光,与前者的悲苦形成强烈对照。格吕内瓦尔德这些宗教题材的图画,反映了当时德国民间宗教思想的活跃,并接近于平民群众对基督敦义的新理解,因此它们不仅以其艺术特色引人注目,而且忠实反映了促成宗教改革的那个动荡的时代环境。
几乎所有宗教画家都画过《最后的晚餐》,在文艺复兴初期也几乎所有的画家都将犹大与众门徒分开来,将犹大置于桌前孤立地位。其主要原因是画家无法描绘人物的外貌与个性特征。直到1495年,达·芬奇在米兰格雷契寺院画的《最后的晚餐》,画上第一次以各自不同的个性表现塑造人物形象,犹大虽处于众弟子中但也能为人们所识别。格吕内瓦尔德的《最后的晚餐》,将基督与众弟子安排在一个圆桌周围,前景中央留一个空白,形成一个有缺口的椭园形构图。这是在达·芬奇作《最后的晚餐》5 年之后画的,没有根据说受过芬奇的影响,但可以看出格吕内瓦尔德也开始重视人物个性表现。通过画中人不同的外貌和手势,揭示人物的心理活动与思想情感,每个人都以自己的方式回答了基督说的“你们中间有一个人出卖了我”。画的前景右侧那个起立取杯者是犹大,他做贼心虚、不安之心态一望而知。在他的腰间还束着一只钱袋,那里面就装着出卖主的钱。人物形象塑造以单纯的衣着色块对比产生丰富变化美感,笔触简略,注重人物手势动态之间的联系,具有现实主义表现倾向。就艺术语言而论与德国现代表现主义有相似之处,所以他的画很受德国现代艺术家们关注和推崇。
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